L'art passion

Inmenso Leonardo

2007-05-20T02:36:00.000-07:00

La Virgen_Italia

Dice Leonardo en los Consejos y recetas:

“El pintor que tenga manos pesadas así las hará en sus obras, reproduciendo el defecto de su cuerpo, si no se previene con un prolongado estudio.

Así, pues, fíjate pintor cuál es la parte más grosera de tu persona y aplícate a cuidártela en tus obras, puesto que aquello que tengas de bestial se reproducirá en tus figuras, las que se te asemejarán sin espíritu alguno.

Semejantemente, todo lo que tengas de bueno o inferior aparecerá en las partes correspondientes de tus personajes.”

Leonardo Da Vinci
(1452-1519)

(Versión castellana de Javier Farias. Editorial Schapire SRL)

Brassai (Gyula Halász)

2007-05-15T00:20:00.000-07:00

"La noche sugiere, no enseña.La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón

Brassaï

Gyula Halàz, nació en 1899 en Brasso, Hungría, en Transilvania, después esta zona quedó incluída en lo que hoy es Rumanía.
Hijo de un profesor de literatura francesa, se siente influenciado por él hacia París.
Realiza un primer viaje a París en 1903-1904, donde se instala definitivamente en 1924.

Avenue de l’Observatoire _Gelatin silver print -1934

En París trabaja como periodista y en 1925 entabló allí relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante que influyó en su producción ulterior.
Frecuentó muy temprano los círculos formados en torno a Lázló Moholy-Nagy, Vasili Kandinski y Oscar Kokoschka
Se hizo famoso por sus imágenes de París. Inicialmente su carrera era la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina, "Paris de nuit", en 1933.

La Môme Bijou - 1933

Algunos de sus más populares trabajos retrataban los cafés multitudinarios en París. Entre 1936 y 1963, Brassai ejerció como fotógrafo en el Harpers Bazaar.

Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure.

Les Escaliers de Montmatre-París

Egon Schiele (el placer)

2007-05-14T03:54:00.000-07:00

1890-1918

Su padre era jefe de estación; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.

En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.

En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.

En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).

Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.

Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos.

Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. En febrero de ese año también acabó la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una especie de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte.

Gustav Klimt (Inmerso en dorados profundos)

2007-04-26T16:41:00.000-07:00

"I have the gift of neither the spoken nor the written word, especially if I have to say something about myself or my work. Whoever wants to know something about me -as an artist, the only notable thing- ought to look carefully at my pictures and try and see in them what I am and what I want to do."

Gustav Klimt

Fue un pintor simbolista austríaco y uno de los miembros más prominentes del movimiento Art Nouveau de Viena.

Gustav Klimt nació en Baumgarten, cerca de Viena, Austria. Fue educado en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre los años 1879 y 1883, donde aprendió a trabajar las técnicas de las artes decorativas. Klimt también fue un miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena.

Sus mayores trabajos incluyen pinturas, murales, bocetos y otros objetos de arte, muchos de los cuales están en exposición en Viena. Fue el líder fundador de la Wiener Sezession (Secesión de Viena) y de su periódico "Ver Sacrum". Klimt es conocido por el uso de oro en las pinturas.

Este artista austríaco representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que muchos lo consideren dentro del ámbito del Simbolismo por los contenidos de sus obras.

El ambiente que vivió, estuvo muy influido por la Secesión vienesa. En 1897 se creó una asociación de artistas de vanguardia opuestos a la academia. En arquitectura, pintura y escultura se exponían los ideales del Modernismo. Klimt estaba a la cabeza de la pintura, hizo murales de cierta envergadura. Creó un taller con su hermano, hacían decoraciones por encargo. La muerte de su hermano en 1893, lo sumió en una depresión que hizo que se apartara durante un tiempo de la pintura. Cuando volvió a pintar encabezó como presidente de la Secesión en 1897.

Klimt conoció la pintura innovadora belga, Toorop, el Prerrafaelismo inglés... . Fue muy revelador su viaje a Rávena en 1903, conoció mosaicos bizantinos y una decoración de gran brillantez de color pero antinaturalista. Ello le influyó profundamente; en sus obras se aprecia un gusto por los fondos dorados y por los diferentes materiales decorativos. Sus obras tienen valor de icono.

Klimt fue famoso por representar mujeres desnudas en sus pinturas, siguiendo el criterio del art nouveau, ilustrándolas etéreas y seguras, casi como sirenas rodeadas de flores y oro.

A veces, jugaban el papel de arpías. Sus modelos, eran generalmente mujeres que pertenecían a la burguesía vienesa, pero también tenía un séquito de mujeres prostitutas o de vida humilde que le servían de musas. El tema que trata en la mayoría sus cuadros es la sexualidad femenina y el equilibrio con la masculinidad. Tiene pues, influencias neoplatónicas.

Fuente_Wikipedia

M. C. Escher

2007-04-20T07:21:00.000-07:00

M.C. Escher (desde otro lado)

A menudo me encuentro más cerca de los matemáticos que de mis colegas los artistas.
Todos mis trabajos son juegos. Juegos serios.

Escher

Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de «uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos, intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que fueron creados.

Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Escher es, en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX.

En 1919 comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura, pero abandonó sus estudios. A cambio, comenzó a aprender la técnica del grabado en madera o xilografía de Samuel Jesserun de Mesquita, su maestro, que utilizaría posteriormente en muchas de sus obras.

Hacia 1922 fue a Italia de vacaciones y teminaría viviendo en Roma una larga temporada. Le gustaban el clima y los paisajes italianos, y a menudo los recorría a pie en larguísimas excursiones. En 1924 conoció en uno de esos viajes a Jetta Umiker, que se convertiría en su mujer y con quien tendría tres hijos. Muchas de las obras de Escher en las que se ven casas y edificios en la costa están inspiaradas en la arquitectura tradicional de pequeños pueblecitos italianos.

Escher también viajó a España, donde descubriría la Alhambra de Granada, el Generalife y la Mezquita de Córdoba, cuyas maravillas estudiaría con detalle. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.

A partir de 1935, Escher dejó Italia entre otras cosas debido al desagradable clima político que se avecinaba y que desembocaría en la II Guerra Mundial, y pasó algunos años en Suiza, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Luego fue a vivir a Bélgica en 1937 y finalmente regresó a Baarn, Holanda, en 1941.

Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres.
A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.

Hasta 1962 su producción de trabajos fue muy constante. Entonces cayó enfermo y eso supuso un pequeño paro transitorio. En 1969 realizó su último trabajo original, Serpientes, que demostraba que su habilidad seguía intacta. Hacia 1970 ingresó en una residencia para artistas en Holanda, donde pudo mantener su propio taller.

Falleció el 27 de marzo de 1972.

Marc Chagall (damé tus alas)

2007-04-12T00:19:00.000-07:00

Impressions

Escogí la pintura: me era mas necesaria que la comida.
El arte me parece ser sobre todo un estado del alma.

Marc Chagall

La Mariée

Marc Chagall sigue siendo uno de los artistas de mayor influencia en esta transición entre el siglo XX y el XXI. No sólo se dedicó a la pintura sino que escribió poesía, diseñó escenografías y vestuario, realizó ilustraciones de libros, cerámica, vitrales, mosaicos, esculturas, tapices y obra gráfica. A la edad de 45 años, Chagall abandonó Rusia, su país natal. Las evocaciones de su aldea van a convertirse en recurrencias temáticas de su obra. Al lado de Bella, su mujer, y de Ida, su hija, Chagall tuvo una vida de constantes peregrinajes y exilios.

Al abandonar Rusia, vivió en París, de donde tuvo que salir, perseguido por los nazis. En 1941 llegó a Nueva York. Ese mismo año y en esa ciudad murió Bella, su esposa. Algunos años después Chagall volvió a Francia. En 1952 se casó con Valentine (Vava) Brodsky. El motivo de los novios, las bodas y los enamorados que vuelan, aparece en muchos de sus cuadros

Paris Through the Window

La obra de Chagall parece insistir en unir dos opuestos: un profundo enraizamiento en la vida, la práctica y las tradiciones judías, evocaciones de su primer núcleo familiar y una aspiración a la libertad de pintar y de expresar lo universal. El uso del color y la búsqueda formal derivan en parte del expresionismo ruso y del cubismo y el surrealismo franceses. Con el tiempo Chagall, como todos los grandes artistas, logró un estilo propio sugerente, emotivo y poético.

Pablo Picasso se refirió así a este artista: "Cuando Chagall pinta, no se sabe si está durmiendo o soñando. Debe tener un ángel en algún lugar de su cabeza".

Gli amanti azzurri

Francis Bacon

2007-04-10T02:49:00.000-07:00

A pesar de que nació en Dublin y buena parte de su infancia transcurre en Irlanda, Francis Bacon debe ser considerado un pintor inglés, puesto que ese era el origen de su familia. Su padre entrenaba caballos de carreras en Dublin hasta que, con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, ingresa en el War Office y se traslada con la familia a Londres. Hasta 1925 los Bacon viven entre Inglaterra e Irlanda, y los continuos traslados, junto con una afección asmática congénita, impiden que el joven Francis tenga una escolarización regular, con lo que su educación se realiza por medio de clases particulares.

En ese año se independiza de la familia y se establece en Londres. Tras una breve estancia en Berlín, pasa dos años en Francia, cerca de Chantilly. Allí visita con frecuencia el Museo Condé, donde se conserva La matanza de los Inocentes (1630-1631), de Poussin. La figura de la madre gritando cuando le arrebatan a su hijo le impresionó vivamente, hasta el punto de convertirse en una imagen recurrente en sus primeras pinturas junto con otro grito famoso, el de la enfermera herida con los quevedos rotos en las escaleras de Odessa que aparece en "El acorazado Potemkin", la legendaria película de Sergei Eisenstein de 1925.
La exposición de Picasso en París, en la galería de Paul Rosenberg, en 1927, le decide a iniciarse en la pintura. Picasso le muestra "que hay todo un territorio que, en cierto modo, no ha sido todavía explorado, de formas orgánicas relativas a la figura humana que la distorsionan por completo". Ese será, ya para siempre, el territorio pictórico de Bacon.

Bacon comienza a utilizar fotografías de raxos X en su obra, que ya se centra en retratos y representaciones de la figura humana. También cobran notable importancia los estudios fotográficos de figuras y animales en movimiento realizados por Eadweard Muybridge a finales del siglo XIX, que serán punto de partida de múltiples cuadros.
Poco a poco, la relación entre la figura y el espacio pictórico se va definiendo; aparecen los cubos lineales que, como jaulas transparentes, aíslan la figura del entorno. Empieza también la proyección internacional de su carrera con la primera exposición individual en Nueva York, en 1953, y su selección para el pabellón británico de la Bienal de Venecia al año siguiente, junto con Ben Nicholson y Lucian Freud. En los años sesenta su lenguaje adquiere la madurez definitiva.

Bacon es una de las voces más potentes y singulares del arte de la segunda mitad de siglo. Sólo eso explica su consagración en una escena artística -la de los años cuarenta y cincuenta- dominada por la abstracción. Es cierto que la pintura británica posterior a 1945 mantiene una importante veta figurativa -Graham Sutherland, Lucian Freud, R.B. Kitaj, David Hockney-, pero la implacable individualidad de la obra de Bacon se resiste a toda clasificación escolar. Al igual que otros grandes pintores figurativos de su tiempo -comoel francés Balthus, el español Antonio López o su amigo Lucian Freud-, el suyo es un camino solitario, cegado para posibles seguidores, aunque no por ello ajeno al espíritu de su época. Bacon se mantuvo activo hasta el año de su muerte, que le sorprendió en Madrid cuando se disponía a inaugurar una exposición de su obra última.

Vincent Van Gogh

2007-03-27T19:26:00.000-07:00

Van Gogh recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. Vino al mundo en Zundert, donde su padre oficiaba de pastor protestante, y durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular. A los diecisiete años entró como aprendiz en Goupil & Co. -luego Boussod & Valadon-, importante compañía internacional de comercio de arte, ramo en el que su familia tenía, al parecer, alguna tradición. Además de en las oficinas de La Haya, trabajó en la sucursal de Londres entre 1873 y 1875.

Tras ser destinado a París, donde ya había estado tres meses, la inadaptación de Vincent al negocio se hizo tan evidente que fue despedido. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística. del hermano mayor.

The Night Cafe
Vincent van Gogh
Original Painting is Oil on Canvas
Collection: Yale University Art Gallery, New Haven

En París pintó al principio flores y naturalezas muertas para ejercitarse en el contraste de colores complementarios. Los grabados japoneses, que empezó a apreciar en Amberes, están muy presentes en sus paisajes y vistas urbanas de Montmartre. Pero su objetivo pictórico, ya desde Nuenen, estaba en la figura humana y se expresa en los retratos que empieza a hacer en cuanto dispone de modelos. Las tensiones con Theo crecen y Vincent está ansioso de pintar la luz viva y contrastada' del sur.

Con el respaldo económico de su hermano se instala en Arlés en 1888. Allí alquila la famosa "Casa Amarilla", donde dispone por vez primera de una vivienda que puede llamar propia. Durante ese año su pintura progresa y hace frecuentes envíos de cuadros a Theo.

El color es cada vez más intenso y arbitrario y la gama temática va de paisajes y bodegones hasta retratos de personajes del lugar, como el cartero Roulin o los autorretratos que intercambia con Bemard y Gauguin. Este último llega en octubre a Arlés, donde Vincent acaricia la idea de fundar una comunidad de artistas. Ambas personalidades chocan y Gauguin quiere marcharse
La paranoia de Van Gogh desemboca en el famoso episodio en el que se corta una oreja. Internado en el hospital, se recupera rápidamente, pero su excentricidad es cada vez peor vista por los vecinos de Arlés. En 1889 ingresa voluntariamente en el asilo de Saint-Remy, donde realiza los cuadros de cipreses y, sobretodo, Noche estrellada, expuesta en los independientes ese año.

En 1890 su obra empieza a alcanzar cierto eco: Albert Aurier le dedica un artículo en el Mercure, Theo selecciona diez obras para el Salón de los Independientes y es invitado a la exposición anual de Los Veinte en Bruselas. Vincent se siente, sin embargo, fracasado y sufre ataques de epilepsia cada vez más largos y frecuentes.

En primavera se instala en Áuvers-sur-Oise, donde se ofrece a cuidarlo el doctor Gachet, un médico aficionado a la pintura que también protegió a Cézanne. Gachet y Van Gogh establecen una amistad tan intensa como efímera, cuya ruptura ahondó la desesperación del, pintor. El 27 de julio se dispara en el pecho en mitad del campo y regresa a duras penas a la pensión. Dos días después muere en presencia de Theo, que había acudido a su lecho. Tan sólo le sobreviviría seis meses.

Shoes, 1888
oil on canvas
18 x 21 3/4 inches (46 x 55 cm)
Metropolitan Museum of Art, New York City

Fuente_Wikipedia

Man Ray

2007-03-20T00:35:00.000-07:00

Emmanuel Radnitsky, hijo de inmigrantes rusos, nació en Philadelphia en 1890. Comenzó a llamarse Man Ray en los años veinte.

Rechazando una beca para estudiar arquitectura, se solventó como artista comercial y boceteador mientras estudiaba arte en distintas escuelas nocturnas de Nueva York.

Como estudiante fué influenciado por Alfred Stieglitz, cuya galería visitaba con frecuencia, y por su profesor Robert Henri.

Realizó su primera exposición individual a los veinticinco años.

Tuvo su primer contacto con el Cubismo en 1913 en el Armory Show, incorporando pronto aquellos elementos estilísticos en su trabajo. Conció a Marcel Duchamp, que fué una figura relevante en su vida, y compró su primera cámara fotográfica.

Con Duchamp participa del movimiento New York Dadá. Su cercana amistad con él influyó respectivamente en el trabajo de ambos, resultando en una creativa colaboración.

Impulsado por Duchamp, Man Ray se trasladó a París en 1921, y, con la única excepción de 10 años que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí. Se unió al movimiento Dadá y luego a los Surrealistas.

Poseedor de una fértil imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, experimentó con todos los medios posibles: Pintura, escultura, fotografía y películas.

Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Era un maestro a la hora de crear y realizar imágenes.

Poseía una brillante inteligencia y amaba la belleza femenina. ¿Sepuede resumir una vida tan intensa y creativa con estas pocas palabras? Puede que si. Pero ningún epitafio, por generoso quesea, puede hacerle justicia. Había escogido el nombre de Man Ray y se rodeaba de misterio. Sabemos que su verdadero nombre era Emanuel pero su apellidosigue siendo un enigma para el mundo del arte. Pero ¿esto es realmente importante?.

Todos los que le conocieron en París lo consideraban una figura excepcional, fascinante y al mismo tiempo desconcertante. A Man Ray le gustaba desconcertar. ¿Qué era?

Muchas cosas: arquitecto, pintor, diseñador, escultor, escritor, creador de objetos, cineasta, ebanista, orfebre y, naturalmente, fotógrafo.

De origen norteamericano, nació en Filadelfia en 1.890, uno cree ver en él el espíritu de aventura, la enorme imaginación y la polifacética capacidad manual de los viejos pioneros.

Pero mientras sus antepasados habían emprendido un viaje a la conquistade nuevas fronteras geográficas, los descubrimientos de Man Ray en el campo del arte y de la estética se proyectaban hacia espacios interiores.

Empezó hacer fotografías alrededor de 1920, casi por casualidad. Nadie, en su opinión, era capaz de reproducir sus cuadros de forma satisfactoria, y de hay que decidiera hacerlo personalmente.

También le fascinaban las múltiples posibilidades que vislumbraba en ese material lleno de misterio que era el papel fotosensible. ¿Era indispensable una cámara fotográfica?

Ya entonces se sabía que colocando trocitos de papel, de vidrio y otros objetos planos encima del papel fotográfico, que luego se exponía a la luz y revelaba, se obtenía un fotograma.

Pero Man Ray descubrió una nueva dimensión que llamó “rayo grafía“.

Ponía algunos objetos tridimensionales en el papel fotográfico, luego los exponía reiteradamente a una fuente luminosa móvil, obteniendo grabados fotográficos abstractos dotados de un fascinante efecto en relieve.

Era un verdadero mago paralos inventos, con un instinto especial para crear variaciones y efecto. Si bien su talento abarca muchos campos, la fama de Man Ray se debe sobre todo a su faceta de fotógrafo, que se traduce enuna amplia producción fotográfica e innumerables fotos publicadas en libros y revistas.

Sin embargo no era su intención conseguir una reputación como fotógrafo en el sentido estricto de la palabra. Ante todo era un investigador que utilizaba el “error” técnico para crear nuevas formas de representación.

Sus retratos y estudios de desnudo femenino era actos de amor propiamente dichos.

Hokusai Katsushika

2007-02-17T00:49:00.000-08:00

Pintor japonés y grabador en madera, nacido en Edo en 1760 (actual Tokio) es considerado una de las principales figuras de la escuela de impresores Ukiyo-e, "pinturas del mundo flotante".

Entró en el estudio de su paisano Katsukawa Shunsho a los quince años, tomando contacto con la novedosa técnica de la xilografía. Entre 1796 y 1802 produjo un gran número de ilustraciones para libros y estampados en color, hasta un número de 30.000, consiguiendo su inspiración en las leyendas, tradiciones y vidas del pueblo japonés.

Las estampaciones más típicas fueron realizadas entre 1830-40. Las líneas libres y curvadas que caracterizan su estilo fueron transformándose gradualmente en una serie de espirales que confieren una gran libertad y gracia a su trabajo.
En sus últimas obras emplea largas y quebradas pinceladas y un método de coloreado que da un tono más sombrío a su producción. Entre sus obras más conocidas se encuentran trece volúmenes de bocetos llamados "Hokusai manga" y una serie de grabados conocidos como las "Treintaseis vistas del monte Fuji".

Hokusai es más admirado en occidente que en Japón. Algunas de sus obras serán importadas a París a mediados del siglo XIX, siendo coleccionadas con entusiasmo por los impresionistas como Monet, Degas y Toulouse-Lautrec, influyéndoles profundamente.

Sus pinceles, acarician el lienzo.

Flock of Chickens

The Great Wave off Kanagawa

Mount Fuji in Clear Weather

Sebastiao Salgado

2007-02-14T20:03:00.000-08:00

Nació en Minas Gerais (Brasil) en 1944. Cursó la Licenciatura en Economía en los Estados Unidos, y se desempeñó en el Ministerio de Hacienda de ese país. En los primeros años de la década del setenta, trabajando para la Organización Internacional de Café, en Inglaterra, decidió tomar fotografías para enriquecer los informes de una investigación que desarrollaba. El resultado fue tan descollante que desde ese momento abandonó el trabajo teórico para adentrarse en el mundo de la imagen, iniciando una carrera vertiginosa que lo posicionó como uno de los reporteros más prestigiosos de mundo.

Miembro de la agencia Magnum desde 1979, Salgado desarrolló un ensayo fotográfico mostrando las condiciones de esclavitud en las que son explotados los trabajadores de las minas de oro de Sierra Pelada, Brasil. Estas imágenes recorrieron el mundo entero y con certeza formarán parte de la historia de la fotografía universal. Este ensayo le abrió las puertas para continuar un trabajo que, sin abandonar los códigos del fotorreportaje, le ha permitido construir un atlas de su propia concepción del mundo actual, abordando temas intrinsecamente relacionados, como las guerras, el hambre, la modificación de los sistemas de producción, la contaminación y la utilización de las religiones como formas de control y de poder.

Durante siete años (1977–1984) vagó por Latinoamérica, su región de origen, caminando hasta remotos pueblos de montaña con la intención de conseguir imágenes para su libro y exposición Other Americas (1986,Otras Américas), una exploración contemplativa de las sociedades campensinas y de la resistencia cultural de los amerindios y sus descendientes en México y en el Brasil. A mediados de los ochenta, colaboró durante quince meses con la ONG francesa Médicos sin Fronteras en la región africana del Sahel, afectada por una gran sequía, y creó Sahel: L'homme en dÉtresse (1986, Sahel: el fin del camino), un documento sobre la dignidad y resistencia del pueblo sometido al mayor sufrimiento. Desde 1986 hasta 1992 se centró en Workers (1993, Trabajadores), un documental fotografiado en 26 países sobre el final de la mano de obra masiva. Después de Terra: Struggle of the landless (1997, Terra: la lucha de los sin tierra), un documental sobre los que luchan por reclamanar su tierra en Brasil, su país natal, publicó Migrations (Migraciones) y Children (Niños) en el 2000, sobre las duras condiciones de vida de los desplazados, refugiados y emigrantes de 41 países.

Ganador de medio centenar de premios internacionales, Sebastián Salgado es el segundo fotógrafo, luego de Henri Cartier-Bresson, adoptado por la Academia de Artes y Ciencias de los Estados Unidos.

Sebastião Salgado es un fotógrafo de renombre internacional que forma parte de la corriente de «fotografía comprometida». Instituciones de todo el mundo le han concedido los principales premios fotográficos y reconocimientos por sus logros. En 1994 crea su propia agencia: "Amazonas Images", con sede en París, gerenciada por su mujer Leila, y cuyo fin es la comercialización y distribución de su trabajo, exclusivamente. En 1994 fundó su propia agencia de prensa

"Estas fotografías son sólo una continuación de mi vida. No hago nada excepcional, es sólo una forma de vida. Siempre ha sido mi vida y seguirá siéndolo".

Sebastiao Salgado