Je t'aime Matisse

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"Cuando Matisse murió, me dejó en herencia sus odaliscas, y es mi idea de oriente, aunque yo no lo haya visitado nunca."
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Pablo Picasso

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"El pintor ya no necesita preocuparse de detalles insignificantes, para ello está la fotografía que lo hace mejor y más rápido."
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H. Matisse

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Las telas de los cuadros de Matisse (1869-1954) reflejan su profundo deslumbramiento por las texturas con estampados de flores, rayas y arabescos.
Las tramas profusamente ornamentadas y los trajes típicos de países como Marruecos y Rumanía fueron su fuente de inspiración, según revelan sus "odaliscas".

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La fascinación de Matisse por las telas venía desde su infancia, pues su familia trabajaba en la industria textil al noreste de Francia, y esto se reflejó en sus primeras pinturas, una serie de naturalezas muertas con manteles.

En una de sus últimas entrevistas, Matisse dijo que los textiles de la serie de odaliscas eran "tan importantes" como las modelos, y por la evolución de su obra, que culminó con sus "recortes" de papeles de colores en formas florales y geométricas, pareciera que el diseño logró predominar frente a la figura humana.

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Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra, de volumen.
Observa que la vida es color y lo plasma en su pintura. La supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca. Matisse dibuja con el color y lo distribuye en el espacio de modo que éste quede sugerido sin que se produzcan las deformaciones de la perspectiva.

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Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo.
Matisse construye sobre el color.

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"Con los colores se pueden conseguir efectos encantadores
basta que se junten o se alejen..."

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Henry Matisse.

La pintura de Matisse llegó a ser -y no sólo a aparecer- como una expresión directa de la vida sensible. La pintura viene del contacto de los sentidos con el mundo y aparece como una respuesta que el artista formula usando un lenguaje cuyo elemento central es el color.
Para Matisse, lo esencial es justamente el elemento cromático de la pintura, es decir, la vitalidad de lo sensible

El Salón de Otoño de 1905 que se celebró en París se vio sacudido por un terremoto de luz y color: una de sus salas se reservó para un grupo encabezado por Matisse, Derain y Vlaminck.
Los lienzos que presentaron ostentaban, orgullosos, gamas cromáticas estridentes y agresivas, hasta tal punto que de allí salieron como el grupo de los Fauves, que en francés significa "las fieras".


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Monsieur Modigliani

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"Cuando conozca tu alma pintaré tus ojos"

Modigliani.

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Amedeo Clemente Modigliani no fue un maestro, porque no dejó discípulos. Su obra no tuvo continuadores, tal vez porque es demasiado personal y única.
En una época en que los artistas producían abundantes declaraciones de principios, manifiestos, definiciones absolutas, y formaban grupos desafiantes y aguerridos, Modigliani pintó y esculpió fuera de cualquier programa. En medio de la resaca de la producción de aquellos años, su obra emerge con una pureza y una fuerza que el tiempo no hace sino resaltar con brillo cada vez más nítido.

En 1898 le escribía a su amigo, el pintor Oscar Ghiglia: "Quisiera que mi vida sea un torrente fértil que recorra la tierra con alegría. Soy rico, estoy lleno de ideas, y sólo necesito trabajar. [...] Un burgués me dijo, hoy -con la intención de insultarme- que mi cerebro estaba siendo desperdiciado. Me hizo mucho bien. Todos deberíamos recibir un recordatorio como ese cada día."

Modigliani integra la pléyade de los genios, precisamente porque posee su propio estilo, sus temas y sus maneras, elementos que no todos los artistas pueden exhibir.
Pintó figuras humanas: desnudos y retratos; con una refinada estilización, formas elegantemente alargadas, un cálido colorido, casi sin contrastes entre luces y sombras. Al mismo tiempo, sabía reproducir la personalidad del retratado con gran agudeza.
Debemos señalar que además de otros recursos que usó y que caracterizan su estilo, Modigliani pintaba a sus personajes sin pupilas. En lugar de éstas, nos encontramos con un enigmático vacío que provoca un efecto sorprendente: como si alguien nos dirigiera una mirada cargada de misterio. Lo paradojal de ese "efecto de las pupilas ausentes" es lo que determina el "campo de atracción" en sus telas.

Aunque el artista italiano se convierte pronto en un personaje característico de la bohemia artística de la ciudad, siempre se mantendrá al margen de cualquier movimiento más o menos organizado. En 1907 conoce al que será su primer mentor en París, Paul Alexandre, médico que había creado una suerte de falansterio de artistas en un edificio ocupado de la rue Delta. Persuadido por éste, Modigliani presenta en el Salón de los Independientes del año siguiente seis obras en las que se distingue la huella de Cézanne. Esta influencia, junto con la de Toulouse-Lautrec, Gauguin y el Picasso de la época azul, marcan la obra de Modigliani hasta el final de la primera década del siglo.

La primera exposición individual del pintor italiano, realizada en la galería de Berthe Weill, es clausurada por la policía a causa de unos desnudos -calificados de inmorales-que se mostraban en el escaparate de la sala. Ese mismo año conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras, pero su salud empeora y se agrava su dependencia de las drogas y del alcohol. El pintor muere en enero de 1920 en un hospital de París.

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John William Waterhouse

artmagick

Under tower and balcony,
By garden-wall and gallery,
A gleaming shape she floated by,
Dead-pale between the houses high,
Silent into Camelot.
Out upon the wharfs they came,
Knight and Burgher, Lord and Dame,
And around the prow they read her name,
The Lady of Shalott.
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Alfred Tennyson

Gather Ye Rosebuds While Ye May. 1909

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Waterhouse nació en Roma de padres ingleses en 1849, justo el año en que los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita (William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti) publicaron su famoso manifiesto a favor de un arte "reformado" que ponía en cuestión el canon estético de la Academia.
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Waterhouse heredó el gusto de sus predecesores prerrafaelitas por la poesía de Tennyson, Keats y Shakespeare, aunque también se inspiró en la mitología clásica a través de las obras de Homero y Ovidio.

The Shrine. 1895

En los años noventa, Waterhouse comenzó a pintar imágenes plenas de alusiones sutiles a las preocupaciones simbolistas de esos años: náyades descubriendo la cabeza de Orfeo cantando mientras flota en la corriente de un río, Hilas secuestrado por las ninfas de la fuente Pegea, o el amor imposible de Eco hacia Narciso.

Nymphs Studio

Esos temas bastante explícitos dieron lugar después de 1900 a otros más ambiguos, pero inspirados también en la vieja mitología europea, tras lo cual Waterhouse volvió a ocuparse de temas favoritos de la narrativa prerrafaelita como "Tristán e Isolda", "La Tempestad" o "El Decamerón".

Ophelia 1889
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Las pinturas de Waterhouse, muchas de ellas de gran formato, sorprenden hoy por la extraordinaria calidad del dibujo, el dramatismo de la composición y la viveza del colorido, y se distinguen de las de sus predecesores prerrafaelitas sobre todo por que no renuncian al espacio tridimensional.

Two nymphs study

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Muere en Londres en 1917 dejándonos su obra embuida de sueños, magia, romanticismo.

Waterhouse tuvo una estrecha relación con la Royal Academy of Arts, ya que ingresó en 1870 en las escuelas de esa institución como estudiante de escultura antes de dedicarse a la pintura y se convirtió en miembro asociado y luego en académico de pleno derecho en 1895.
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Data :Site de Waterhouse

Guillermo Roux . La teoría del ensueño

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Fue tal la violencia de la belleza, con esa luz tamizada, que tuve que retroceder. Fue demasiado. Tuve que dar la vuelta a la sala, volver a entrar y mirarlo con más calma, de a poco, porque de golpe no se podía ver. O sea que cuando la belleza alcanza su máxima expresión, provoca temor.

Roux

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Con la boca hacia arriba, las máscaras griegas representaban la alegría. Y con la boca hacia abajo, la tragedia. Para el artista plástico Guillermo Roux, de refinamiento ético y estético notable, la belleza, en sí misma, es un valor.

Son muchos los signos de la belleza. Pero, para gozarla, hay que vivir a conciencia despierta. Para sentir -como el ave fénix de la leyenda, con sus 365 plumas- la mañana de la vida, la obstinación del atardecer y el enigma de la noche.

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Taller Guillermo Roux

Entrevista de C.Castello a Roux

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Willem de Kooning

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Si el mundo fuera obvio, el arte no existiría. El arte nos ayuda a penetrar en la opacidad del mundo.

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Albert Camus

Willem de Kooning es un pintor holandés afincado en Estados Unidos desde 1926. En sus inicios cultiva una curiosa síntesis entre cubismo y abstracción biomórfica, siempre dentro de una patente figuración.
A través de la fragmentación de la figura humana, De Kooning llega a la abstracción gestual y sígnica que, aunque abstracta, recuerda tanto segmentos anatómicos y motivos paisajísticos como graffitis. Tras experimentar con el automatismo en obras en las que además utiliza signos semiabstractos, e introducir una nueva vehemencia en la pincelada en el período blanco y negro, a partir de los años cincuenta, De Kooning crea un nuevo género de composición psicodinámica, en cuyo interior la unidad del cuadro se configura como organización de energía.

En pleno apogeo de la abstracción, cuando sólo parecía posible en la pintura ser abstracto, introduce de nuevo las figuras e inicia un tema que habría de ser esencial en su pintura, las mujeres.
En estos años, el pintor concentra sus gestos —a base de amplios grafismos y violentos brochazos— en cuerpos de mujer de un gran poder seductor. La producción posterior de De Kooning acusa un vaivén entre el lenguaje figurativo —paisajes urbanos, autopistas, mujeres— y unas maneras extremadamente gestuales y abstractas, siempre dentro de una factura expresionista y de una voluntad de rechazo del estilo por el estilo.

De Kooning concebía el arte como “acción unida a la energía y al movimiento corporal, donde el artista trabajaba con una intensa concentración dirigida en exclusiva al acto creativo sin predeterminarse su resultado“. Esta filosofía fue plasmada desde aquellos primeros cuadros, donde se observa una clara influencia de Gorky, hasta su obra madura con la serie Mujer; en la que sigue con la técnica de maridaje entre las bioformas y la figuración.

La violenta impresión de su trazo y la recuperación del color en sus composición, donde se pueden adivinar figura femeninas envueltas en líneas, llevará a la crítica a denominar su técnica como action painting, en una clara correspondencia con la obra del español Antonio Saura y el estadounidense Jackson Pollock.

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Para las últimas décadas de su carrera, ´70 y ´80, de Kooning se inclina por la litografías y las esculturas de bronce barro. Ya casi al final de su producción, algunos expertos sostienen que su obra no puedo madurar por el alcoholismo y el Alzheimer que le fue diagnósticado al artista. Sin embargo, otros se inclinan por decir que de Kooning fue el antecedente de los pintores de los ´90 con sus líneas claras y sobre todo el precedente directo de la pintura de Brice Marden.

Al arte le importa un bledo la censura

Shunga es un tipo de ukiyo-e, frecuentemente teniendo como soporte material para su impresión planchas de madera o raramente pergaminos pintados. El vocablo japonés “shunga” significa “imagen de primavera”.

¿A que alude aquí la idea de la Primavera? Ni mas ni menos que a las relaciones sexuales, por lo que el shunga despliega visualmente distintos tipos de escenas de amor carnal tanto heterosexuales como homosexuales.

Hay quienes sostienen que el shunga tomo su fuente inspiración en las ilustraciones médicas que poblaban las páginas de los antiguos manuales chinos, proceso que comenzara en la llamada Era Muromachi (1336-1573).

Chou Fang, el gran pintor erótico de la dinastía china T’ang, es considerado como influyente en este desarrollo inicial del que despuntaran las shungas . Es la escuela del arte erótico que durante dos siglos (XVII a XIX), plasmó en deliciosas imágenes las más refinadas técnicas amatorias, para conocimientos de hombres y mujeres.

Este período se caracteriza por la escuela conocida como Ukiyo-e –“Pintura del mundo Flotante”– y muchos de sus artistas trabajaron en ilustraciones Shunga utilizando en su mayor parte la técnica de la xilografía, ya como imágenes aisladas o bien en conjuntos de doce imágenes, que acompañaban textos, cuentos o poemas –en algunas ocasiones–, de ellos mismos. Imágenes osadas, y exageradas en lo que a dimensiones de sexos se trata, los Shunga representaban el momento del amor entre los señores Samurai con célebres cortesanas de la época o jóvenes mancebos –los edokkos–, y estaban en relación con la literatura y los acontecimientos históricos del Japón imperial en esa época.

No existián restricciones en cuanto a los gustos y preferencias, comprobarán que hay ilustraciones de parejas heterosexuales, amor entre hombres, tríos y hasta sexo grupal.

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Naturalmente este tipo de arte se vendía entre aquellos que pudieran pagarlo. Quienes lo compraban lo hacían para estimular los sentidos con la contemplación de imágenes eróticas, o a fin de usarlo como material de educación sexual para hombres y mujeres que se iniciaban en el sexo, y para que llegarán preparados al matrimonio.

Era tradición que el día de la boda la novia, junto con sus enseres y muebles, aportará una colección de imágenes Shunga. Se entendía que las llevaba consigo para estimular a su daimyo, y tal vez como muestra gráfica de lo que había aprendido, y para lo que estaba preparada o sabía hacer a la hora de la intimidad.

Cuando a mediados del siglo XIX Japón se abrió a Occidente, la influencia de la moralina victoriana en la cultura japonesa dio inicio a un largo proceso al término del cual, la sexualidad explícita de los Shunga fue declarada como pornográfica, e inmediatamente censurada y prohibida. A partir de esa manera que tenemos los occidentales de colgarle el "no apto" a cualquier manifestación cultural que no esté de acuerdo con las pautas morales de la época y debido a la influencia que empezó a cobrar occidente en el Japón imperial, la producción comenzó a decaer. Una vez más el predominio de Occidente fue causa y razón de que desapareciera una de las escuelas de arte más importantes de todos los tiempos.
Pero una gran parte de las ilustraciones se han conservado, y hasta se pueden adquirir ya no solamente reproducciones, también pueden conseguirse originales en casas de arte de las principales capitales del mundo.
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No estamos en el Siglo XIX, pero hay gente que no puede "ver" lo bello, todavía, por eso este material fue censurado en You Tube, es de temer que no podamos rescatar la simbología de ciertas cosas, es de temer que veamos algo sucio en una imagen y no en lo que acontence diariamente, hambre, destrucción, muerte, individualismo.

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